Что такое «кельтский фолк» толком не знает, пожалуй, никто. Просто потому, что такого понятия в природе не существует И всё-таки с упорством, достойным лучшего применения, отечественные меломаны продолжают условно объединять под этим обозначением в одну большую и могучую кучу самые разные группы, объясняя для себя их видимую «кельтскость» чем угодно - пением на ирландском языке или антианглийскими настроениями, аранжировками с использованием арфы или дудочек или обращением к язычеству. Куча растёт, крепнет каша в голове, а между тем единого по одному критерию направления «кельтский фолк» как не было, так и нет. На самом деле кельтский фолк - это самые разные обработки современными музыкантами музыки кельтских народов.
Древнейшим из них среди оставшихся в Европе по сей день считаются ирландцы. В конце 5 века часть ирландцев из перенаселённых северных земель ирландской Дал Риады перебралась на север Британии, где они основали королевство, известное сейчас как шотландская Дал Риада. Смешавшись с местным населением - пиктами, они за следующие сто лет утратили контакт с метрополией и в дальнейшем стали называться шотландцами. На юге Британии также живут кельтские народы - валлийцы в Уэльсе и корнуольцы в Корнуолле. Под давлением саксов часть валлийцев некогда переселилась из Уэльса на север Франции в область Бретань. Так возникла ещё одна крупная кельтская нация - бретонцы. Все эти народы говорят на родственных кельтских языках. И конечно, у всех у них есть музыка и песни. То, что теперь понимается под кельтским фолком, сформировалось как осмысление на европейской сцене всей гаммы музыкального наследия прежде всего Ирландии, где кельтская музыкальная традиция многие столетия оставалась по сути непрерывной и меняла лишь форму, а начиная с 70-х годов, - Шотландии и Бретани. Поэтому, чтобы как-то уяснить для себя суть кельтской музыки, прежде чем говорить о конкретных группах нужно понять кто поёт, о чём поёт, на чём и как играет. Это мы и постараемся сделать на примере ирландской народной музыки - самой древней и самой цельной.
1.Сила слова и чары музыки.
Владение словом и умение сочинять музыку точно так же, как и владение музыкальными инструментами в Ирландии издревле приравнивалось к одному из видов магии. Древнеирландские поэты и певцы - филиды (совр. Ирл. File - поэт) ещё до введения в 5 веке христианства обучались в особых закрытых школах по 12 лет, причём все изучаемые тексты были обязаны знать на память. Обучение не проходило даром. Филиды были низшей ступенью в жреческой иерархии друидов. Друиды же наложением сакральных обязательств-гейсов контролировали практически все решения светской королевской власти. Так что спорить с филидом было опасно. Он мог наложить непосильный гейс или исполнить песню-проклятие. Во многих сагах описывается легендарная песнь «Гламдиккин», исполнение которой вело к появлению на лице у несчастного слушателя трёх разноцветных волдырей - позора, стыда и поношения. Это могло закончиться тяжелейшей психической травмой или даже смертью.
После введения святым Патриком в 423 году христианства и упразднения сословия друидов порядки, как и водится, остались прежними во всём кроме идеологии, и филиды превратились в богатых и влиятельных придворных поэтов и музыкантов.
Барды - наследники филидов - удивляли средневековую Ирландию своим искусством задолго до германских менезингеров или французских трубадуров. Уже тогда основным музыкальным инструментом певцов и поэтов стала арфа. Зрелый арфист по традиции должен был всегда уметь сыграть три мелодии: «песню, которая заставит заплакать, песню, которая заставит рассмеяться и песню, которая погружает в сон». Только тогда он признавался мастером.
Пьесы для арфы зажили своей жизнью после заката средневековья - эпохи бардов, когда на смену влиятельным придворным певцам после двух волн жесточайшей английской колонизации и окончательного упадка кельтской родовой знати, говорившей по-ирландски, пришли с одной стороны, овеянные всё тем же мистическим ореолом бродячие музыканты, а с другой стороны из их числа выделились со временем самые талантливые, зарабатывавшие себе на жизнь уже не только исполнением, но и сочинением. Лучшим из лучших был Турлох О’Керолан.
Турлох О’Керолан (Turlogh O’Carolan) был и остаётся единственным ирландским композитором, чья слава вышла далеко за пределы Ирландии и пережила его самого на столетия. Его пьесы для арфы , судя по всему из-за скромности автора, назывались обычно просто и неприхотливо: «концерт О’Керолана» «Приглашение О’ Керолана» и так далее. Хотя теперь он признаётся одним из самых известных европейских композиторов добаховского периода, а одну-две его пьесы как правило играет большинство ирландских фолковых групп вне зависимости от того, есть ли в их составе арфа, вершина его творчества одновременно ознаменовала собой конец эпохи арфы. Без малого три века она оставалась только на зелёном поле ирландского герба, пока специалисты школы «кельтского возрождения» в 19 веке не обратились в поисках древнего гэльского начала к наследию ирландских арфистов. А в семидесятых годах нашего века во Франции бретонский арфист и певец Аллан Стивель провозгласил «возрождение кельтской арфы» на современной европейской сцене. В то время это принесло ему славу национального героя Бретани. Он остаётся культовым кельтским музыкантом и до сего дня. Теперь кельтский фолк прошёл уже через целый этап «архаики» с неизменным арфовым колоритом в большинстве аранжировок. В Москве можно встретить записи ведущих современных ирландских арфистов - Мери О’Хара, Патрика Болла и других. Но это - лишь одна из непрерывных ветвей древнего дерева кельтской музыкальной традиции, которое продолжало расти и давать новые побеги.
В 17 веке на смену арфистам постепенно стали приходить волынщики. В отличие от всем известной шотландской волынки ирландская волынка uilleann pipe - инструмент несравненно более сложный. Для того, чтобы подавать воздух в неё надо не дуть, а качать меха, укрепленные на локте, потому что обе руки заняты. Техника игры непроста, но позволяет играть практически в любой тональности. Если основное достоинство шотландской волынки - это её громкость, то ирландская отличается мелодичностью и не так пронзительна. Зато учиться играть на ней нужно иногда не один десяток лет. Начало эпохи волынщиков совпало с окончательной колонизацией Ирландии англичанами и постепенным фактическим превращением её в британскую провинцию. Королева Елизавета 1, железом и кровью платившая ирландцам за их волю к свободе, издала указ, предписывавший вешать на месте всех ирландских волынщиков как воров и преступников. От культурного наследия древнейшей кельтской нации не должно было остаться ни литературы, ни языка, ни музыки. И сперва почти не осталось. Образованная часть населения, говорившая по-ирландски была практически полностью уничтожена в огне войн и восстаний, погибла от голода, эмигрировала в другие страны. Ирландский язык превратился в смесь сильно отличающихся друг от друга диалектов, а на смену ему в повседневной жизни стал приходить английский. Изменилась и музыка. Так началось обретение кельтской музыкальной традицией ещё одного лица. Помимо арф, волынок и преданий о старине есть ещё одна база современного кельтского фолка. Песни о повседневной жизни, большие «ансамбли» односельчан или людей с одной улицы, танцы, бродячие скрипачи и сказители. О ней тоже надо говорить отдельно. Это - музыка простых людей.
2.Музыка простых людей
Начиная с 18 века ирландская культура становится всё более открытой для влияния других стран. Меняются инструменты. Новые песни всё чаще и чаще сочиняются и поются по-английски. Но всё это развивается в русле той же самой традиции. Отношение к музыкантам остаётся мистически почтительным, а их мастерство виртуозным. На место поэтов с арфой приходят в 18-19 веках бродячие скрипачи, многие из которых также слепы, как их духовные отцы - сказители древности.
Имена лучших из них известны и сегодня. Например- Антини О’Рахтура, по прозвищу Рафтери ( Raifteiri 1784 - 1835) - известный поэт и музыкант. Слепой от рождения, Рафтери зарабатывал на жизнь, странствуя по Ирландии и исполняя под собственный аккомпанемент (он играл на скрипке и волынке) народные баллады и свои собственные произведения. С именем Рафтери связано много легенд. Он даже стал героем народных сказок. Другой скрипач-виртуоз под именем Шерли Сайми вошёл в ирландскую литературу как собирательный образ музыканта, который гордился тем, что «ни одного дня не работал», а музыку работой не считал. Бродячие певцы-расказчики «шаннахи» ходят по Ирландии, рассказывая занимательные случаи из жизни то ли древних героев, то ли людей из соседнего посёлка. Грань между рассказом и песней очень тонка. В ирландском языке нет глагола «петь». Песню «говорят» или «рассказывают». Мотив меняется. Всё решает интонация и манера пения.
Современные шаннахи выпускают свои истории уже на кассетах.
Музыка по прежнему считается для профессионалов чистой работой, а для простых людей - развлечением. Поэтому искони из 20 встреченных вами ирландцев играть или петь будут 20. Не для того, чтобы заработать музыкой на жизнь - это удел людей таинственных и странных. Просто для себя.
Инструментов становится всё больше. Их привозят из-за границы и покупают на ярмарках. Вторым по популярности после скрипки инструментом становятся более доступные флейты и дудочки. Самая известная из этих дудочек - тин вистл (англ. tin whistle, ирл. Feadog). Из дальних и ближних странствий привозят гитары и мандолины. Ирландцы разрабатывают особую технику игры на четырёхструнном банджо. Вместе с банджо постепенно большое распространение и повсеместное «уважение» получает аккордеон - любимый инструмент моряков. Кнечно нельзя обойти вниманием и бойран (ирл bodhran) тяжёлый бубен из козьей кожи, в который специальной деревянной палочкой отбивают сложный ритм танца. Его название переводится как «оглушающий». До нашего времени, когда техника игры на бойране сильно усовершенствовалась, человек с таким бубном должен был просить особого разрешения, чтобы присоединиться к играющим танцы или песни в маленьком помещении. Это, конечно не шотландская волынка, но до изобретения микрофонов оставался реальный шанс «забить» по громкости все инструменты, а если повезёт, то и голос.
Играют в основном танцы. Основными ирландскими и шотландскими танцами и по ныне остались рил (reel) и джига (jig). Танцы играются не по одному, а в непрерывных сборниках-сетах. Попадаются среди них и пьесы, написанные когда-то для арфы И каждый танец может носить имя человека, который когда-то то ли первым его придумал, то ли сыграл.. Кто теперь вспомнит их живыми! В деревнях продолжают петь в основном по-ирландски. Петь обо всём: о любви, о былом величии, о том, что у соседа порвались штаны. Мало ли о чём!
Постепенно вместе с идущими на заработки от голода крестьянами в начале 19 века музыка уходит в большие города - Дублин, Лимерик, Голуэй. Центрами ирландской эмиграции в Англии становятся Ливерпуль и Манчетер. В этих городах и складывается один из самых богатых видов кельтского фольклора - англо-ирландская городская баллада. Первые городские песни были переводами на английский язык ирландских народных песен. Поэтому многие народные песни имеют два варианта, а многие и больше. Люди приезжали в города из разных мест Ирландии и иногда на знакомый мотив появлялось до пяти песен абсолютно разного содержания. Но ещё более удивительно, что благодаря отменной памяти ирландских певцов и конечно бесценной работе собирателей песен, выпускавших в начале 20 века сборники баллад, все эти варианты сохранились до сих пор и поются множеством групп по всей Европе. Песни поют как правило по-английски, и все их можно разделить на некие жанры.
В любовных балладах поют о любви, а ирландская любовь, как правило, всегда очень светлая, грустная и редко разделённая.
Есть множество баллад, составленных по принципу «старины мест», которые рассказывают о красотах родного города, или графства, или всей Ирландии.
Особое место занимают шанти ( от ирл. Ceol sean tigh - песня о доме). Это - песни ирландских моряков, а позже - и наёмных рабочих, повествующие об их тяжкой доле или о каком-то весёлом и поучительном случае из жизни. Все эти песни жутко нравоучительны, и поэтому в последнем куплете всегда содержат мораль.
Часть баллад говорит о судьбе эмигрантов в Австралии и Америке. Они приходятся на середину 19 века, когда после подавления знаменитого восстания 1798 года и Великого Голода сороковых годов население Ирландии уменьшилось едва ли не в два раза. Причём большая часть пошла искать счастья на чужбине. Так появились австрало-ирландские и американо-ирландские песни. Нередко на один и тот же мотив существуют ирландский и американский варианты песни, но их текст может вообще не совпадать.
И всё же самая большая часть городских баллад - это песни, описывающие самые разные исторические события в самой Ирландии за эти двести лет. В них реальные события могут обрастать фантастическими народными трактовками. История продолжалась - неудачные восстания, голод, война за независимость от Англии, гражданская война, равно как и совсем недавний пласт фольклора - судьба северной Ирландии, - всё отражалось в тех или иных песнях. Уже во второй половине 19 века вместе с народными балладами стали появляться авторские песни - прежде всего исторические. В 19 веке, когда их сочиняли в основном городские джентльмены, радевшие за судьбы отечества, они иногда отличались патетическими текстами и слишком литературным языком. И это до сих пор видно. Но зачастую отличить обросшую множеством вариантов и утратившую автора балладу, написанную со слов очевидца давних событий, от творчества профессионального сочинителя почти невозможно. Особенно теперь, когда писавшие для себя или для фолковых команд в 60-е и 70-е годы поэты и композиторы, такие как Иван МакКолл или Доминик Бин, брат знаменитого драматурга и бунтаря Брендана Бина, использовали в своих песнях многие приёмы традиционных городских баллад. Поэтому ирландская песня с первого взгляда не поддаётся разделению на авторскую и неавторскую. Всё сливается в едином потоке кельтского фольклора.
Теперь, когда нам ведомы судьбы самой этой музыки, можно говорить наконец о тех, кто тридцать лет назад начал исполнять её на профессиональной сцене и положил начало тому, что мы знаем под общим названием «кельтский фолк».
3. Из пивных в концертные залы.
Второе дыхание пришло к кельтской народной музыке в начале шестидесятых, когда в пабах и на небольших концертах, прежде всего в Дублине, стали собираться первые профессиональные группы. Им было суждено вывести кельтскую музыку во всём её разнообразии сперва в большие концертные залы, потом дать импульс к её безостановочному развитию внутри Ирландии и в других кельтских регионах, а затем познакомить с ней весь мир. Лицо ирландского фолка формировалось в борьбе за выживание между молодыми народниками и дублинскими пабовыми «шоу-бэндами». Такая группа обычно состояла из роковой ритм-секции, секции духовых инструментов и сладкоголосого певца. Исполнять шоу-бэнды могли практически любой репертуар: от коммерческой кантри музыки до собственных сочинений в стиле «the Beatles», и бороться с ними было крайне сложно. Для того, чтобы обратить на себя внимание, необходимо было заново придумать ирландскую народную музыку так, как её можно было бы сыграть в середине двадцатого века. Осталось лишь придумать, как. Уже тогда люди, которые знали ответ на этот вопрос пошли разными путями, что, по большому счёту создало два изначальных направления в современной кельтской фолк музыке.
У истоков первого стоял мл\олодой композитор и продюссер Шон О’Риада (Sean O’ Riada). Для реализации своих идей возрождения кельтской музыки на сцене он создал небольшой ансамбль «Celtoiri Cualann». Музыка, которую они играли, была сознательно архаична по звучанию. Сочетание скрипки дудочек и волынок создавало эффект оркестра. Большую часть репертуара составляли длящиеся по пять-шесть минут сборники танцев. Мелодии игрались не как обычно - в унисон, а складывались из многих сложных партий. Часто ритм причудливо менялся в середине темы. Песен было очень мало, а в основном они тоже становились частями больших композиций. Особый колорит и напевность ирландского языка только усиливали ощущение величия и торжественности, исходящее от этой музыки. В 1963 году из этого состава образовалась одна из самых известных групп в истории кельтской музыки - Chieftains.
Chieftains, что в переводе значит «вожди» вели за собой кельтский фолк все тридцать пять лет его существования. И ни разу не изменили себе. Для этой музыки они во всём были первыми: первым ансамблем, названным в официальных английских чартах группой года, первой ирландской группой-обладательницей «Оскара» за музыку в кино, а всего они написали музыку примерно к десяти фильмам, включая шедший у нас английский сериал «Остров сокровищ». Они выступали с концертами по всему миру и даже на само Великой Китайской Стене. Chieftains уже давно вышли за рамки непосредственно кельтской музыки. На их альбомах, которых с момента основания группы было записано 24 (!!) в качестве гостей выступали Ван Моррисон, Эрик Клэптон, Стинг. «Chieftains» умудрились за 30 лет сохранить своё уникальное оркестровое звучание, замешанное на древней кельтской традиции и при этом не только органично интегрироваться в мировую музыкальную культуру, но и стать модными. В отличие от других знаменитых кельтских групп их не коснулись ссоры и распады, трагическая смерть лидеров ансамбля. Поэтому имена ведущих музыкантов-основателей Chieftains - Падди Малуни, Шона Кина, Мэта Моллоя, Мика Тубриди стали легендами при жизни.
В том же Дублине в начале шестидесятых началась и совсем другая история. В 1962 году вернувшийся из Испании гитарист Ронни Дрю (Ronnie Drew) собрал в одном из пабов группу из людей, любивших вместе с ним хорошо посидеть. Среди них и оказались впоследствии все участники легендарной ирландской группы Dubliners. Никто из них никогда не мечтал профессионально исполнять ирландскую музыку. Это получилось само. Стиль группы сложился как ответ аутентичным, но слишком патетичным и оторванным от реальных корней поискам других кельтских музыкантов, которые, как вспоминал Ронни «вечно торжественно объявляли, что этой мелодии завтра 500 лет и застывали в глубокомысленных и задумчивых позах». Эта музыка была скорее ирландской, нежели кельтской. Танцы исполнялись в традиционной манере - коротенькими сетами по два-три. Песни же включал в себя всё разнообразие ирландских городских баллад.
Лидером группы стал певец Люк Келли (Luke Kelly). Успех Dubliners, пришедший к ним в 1967-68 во многом стал следствием его необычайно искренней и сердечной манеры пения. И после своей трагической смерти в 1984 году он остался одним из самых любимых ирландских певцов во всём мире. мире, потому что в отличие от других исполнителей баллад даже при исполнении откровенно политизированных или просто антианглийских песен никогда не злоупотреблял гражданским пафосом. Если вы когда-нибудь будете в Дублине, не упустите возможность постоять на мосту, который дублинцы назали именем Люка Келли. Народ его любил и понимал. О чём бы не пел Люк - о любви, о войне или о том, как хорошо бывает пропустить стаканчик того или этого, он всегда верил в подлинность всех чувств и событий. Конечно, пел и Ронни. И хотя тембр его голоса многим критикам напоминал « утренний рёв похмельной ирландской коровы в пустую пивную бочку», успех у простого ирландского народа был обеспечен. Дважды безуспешно пытавшись начать сольную карьеру, после всемирного признания он все-таки ушел из Dubliners через 30 с лишним лет и теперь своим обычным голосом поёт поп. Говорят, полдучается оригинально. Есть и ещё один секрет. Скрипач Джон Шиан и банджист Барни МакКенна со временем стали профессиональными музыкантами. Поэтому показная простота Dubliners всегда сочеталась с грамотной и продуманной аранжировкой песен и инструменталов. Это позволяло по-новому, но в то же время узнаваемо преподносить слушателям даже самые известные песни. Пережив за 30 лет два распада и смерть двоих основателей, Dubliners сегодня, как и Chieftains, остаются «послами Ирландии во всём мире».
Последним самобытным явлением шестидесятых стали Sweeney’s Men. Это трио просуществовало на сцене всего несколько лет и записало лишь два альбома.
Раннее творчество Chieftains и Dubliners определило два основных вектора по которым бурно начала развиваться в 70-е кельтская музыка в Ирландии. Конечно, это были основные принципы в чистом виде. Их дальнейшее развитие приводило к появлению новых групп и новых подходов.
Группы семидесятых и восьмидесятых искали и свои пути. Ансамбли с севера ирландской республики из овеянного мифической славой графства Доннегол, в семидесятые Clannad, а в восьмидесятые Altan, пошли по пути большей архаизации музыки и выработали своеобразную манеру исполнения с упором на сложные инструментальные аранжировки и женское пение по-ирландски . Именно Altan и ,пожалуй, Enya - бывшая клавишница из семьи Clannad представляют собой передний край прогрессивной кельтской «архаики». архаическому подходу в восьмидесятые предстояло перерасти в подход синтетический, тяготеющий к смешанным арт-роковым аранжировкам и World Music, ( как у позднего Clannad’a). В России группа Clannad пользуется большим успехом у любителей кельтской музыки. И хотя именно Clannad на пороге восьмидесятых сделали из кельтской музыки коммерчески выгодное предприятие, у нас больше любят их ранние альбомы – чуть архаичные и менее прогрессивные.
Семидесятые подарили миру и замечательные балладные группы и прежде всего - Planxty. В эти годы заявил о себе целый ряд исполнителей ирландских и шотландских баллад или собственных песен в этом стиле. Прежде всего это Кристи Мур, бывший вокалист Planxty, шоумен известный во всём мире как активный борец с атомной энергетикой вообще и атомной бомбой в частности. А кроме него - Джим МакКанн, Падди Райли. Здесь тоже были свои эволюции. Балладный подход в конце семидесятых дал почву для бесчисленного количества сладковатых поп-групп уже с народным репертуаром. Своеобразный подход к народной музыке показала созданная в 70-е группа De Dannan. Если Clannad умели до конца развить и «осовременить» архаичную ирландскую тему, вплетая её в общий поток мировой музыки, то De Dannan наоборот могут сыграть абсолютно в ирландском стиле почти любую музыку. Вместе с ирландскими танцами на их альбомах звучали рилы и джиги, которые на поверку оказывались темами из Beatles или Баха. Особый фирменный звук De Dannan – сочетание скрипки и аккордеона плюс высокий чуть консерваторский женский вокал. Этот стиль лидерам группы Алексу Финну и Френки Гэвину удаётся сохранить несмотря ни на что уже 20 лет. Потому De Dannan жив и будет жить ещё долго.
В восьмидесятые особую страницу в летопись ирландской музыки вписали лондонские панки ирландского происхождения из группы Pogues (из ирл. Pog mo thoin - поцелуйте меня в задницу). Лидер группы Шон МакГоуэн под чуткой опекой мандолиниста и вокалиста из рано распавшейся культовой ирландской комманды 60-х Sweeney’s Men Терри Вудса и под влиянием регулярного общения с дедушками из Dubliners сумел в своих песнях создать практически новый стиль - панк-фолк. В нём верно отобразилось настроение завсегдатаев дублинских баров, но уже не только на языке народных песен, но и на языке современных молодых: панков, леваков и детей легендарного поколения «людей за проволокой» бойцов ИРА 70-х. Утверждение критиков, что Pogues - Dubliners сегодня верно лишь отчасти. Это возможно - братья по духу, но из разных миров.
После ухода из группы сейчас МакГоуэн продолжает в своём новом составе the Popes культивировать образ туповатого и агрессивного «Падди», используя для этого и народные песни. Он по прежнему полупьян и весел, но его протест начинает отдавать явной коммерцией. Оно и понятно Между тем Pogues сумели заработать за время своего существования заработать гораздо больше, чем за тот же период большинство балладных городских команд прошлого, игравших в стиле «дёшево и сердито». Старое вино влито в новые меха.
Без Chieftains в конечном итоге не было бы основателей Clannad, как без Dubliners не было бы Pogues. Кельтская музыка во всём своём многообразии продолжает жить, и новое не заменяет старое, а лишь дополняет его. Если вы посмотрите на ведущие московские ирландские команды, (Puck&Piper, Si Mhor или Slua Si- Воинство Сидов) то увидите все те же основные элементы, которые причудливо сплетаясь между собой, определяют лицо каждой из них, как когда-то определяли стиль и звук ансамблей ставших сейчас легендарными.
А значит - традиция вечна, и жизнь продолжается. Она продолжается и в России.
Наиболее распространенные инструменты, используемые для исполнения традиционной кельтской музыки - арфа, скрипка, флейты, вистлы, кнопочный аккордеон, различные виды волынок, барабаны и перкуссии, а также гитара.
АРФА
Арфа - струнный музыкальный инструмент, в котором жильные или металлические струны возрастающей длины натянуты между резонаторным корпусом с декой и т.н. шейкой. Звук извлекается посредством защипывания струн пальцами или, очень редко, плектрами, прикрепленными к пальцам. Предшественники арфы известны с III тысячелетия до н.э. Гиральд Камбрийский, описывая ирландскую музыку в 1183 году, упоминает именно арфу. Но конечно, арфа XII века существенно отличалась от современной.
СКРИПКА Fiddle
Fiddle - четырехструнный смычковый инструмент, в Европе появился в 10 веке. Скрипку, на которой играют ирландскую народную музыку, часто называют fiddle, противопоставляя ее классической violin. Используемый в фолк-музыке инструмент ничем не отличается от классической скрипки, но манера игры в ирландском и классическом стиле очень сильно отличаются - например, ирландский трад подразумевает игру преимущественно в первой позиции, а если прислушаться, то можно обратить внимание на то, что присутствуют характерные для такой музыки штрихи, а нотки не «выпиливаются». Это очень важная особенность ирландской народной музыки, и от скрипача, играющего в таком стиле, многое зависит. Скрипка - один из самых популярных инструментов в Ирландии. ВОЛЫНКИ Pipes
Волынки известны в Ирландии и Шотландии много веков. Волынка состоит из мешка, мехов или духовой трубки, мелодической трубки (chanter), басовых трубок и регуляторов, которые могут быть использованы для аккомпанемента мелодии. Мелодическая трубка устроена по принципу флейты. Существует множество типов волынок (Highland bagpipe, uilleann pipe, small pipe). Наиболее распространены шотландские волынки (Highland bagpipe), меха которых надуваются с помощью духовой трубки. Иллинпайпы распространены меньше (особенно в России) из-за сложности игры на них. В uilleann pipes "локтевые волынки" мешок держат под рукой, и с его помощью воздух нажимом локтя нагнетается в трубки.
БЛОК-ФЛЕЙТА ИЛИ ПРЯМАЯ ФЛЕЙТА
Блок-флейта (другие названия прямая, продольная или простая флейта) - старинный европейский инструмент. Держа инструмент вертикально, как кларнет, исполнитель вдувает воздух через свистковое устройство, а для игры использует 6-7 пальцевых отверстий на лицевой стороне и одно для большого пальца на тыльной. Диапазон - две октавы и одна нота. Блок-флейты по высоте звучания делятся на пять видов: сопранино, сопрано, альт, тенор и бас. Обычно блок-флейты состоят из двух-трех разборных частей. Раздвигая часть со свистком и гриф с отверстиями, можно понижать общий строй флейты на доли тона.
TIN WHISTLE
Tin whistle дословно переводится как "жестяной свисток". Тип флейты. Вистлы изготавливаются из различных материалов (дерево, металл, пластмасса) разных размеров. Существуют два основных типа вистлов: конической и цилиндрической формы.
Bodhran от ирландского bodhr (глухой, оглушать). Бойран - ударный музыкальный инструмент, состоящий из кожаной мембраны, натянутой на деревянный обод, относится к классу рамочных барабанов. При изготовлении бойранов обычно используется козья кожа. На внутренней стороне барабана прикрепляются деревянные планки, чаще всего крестообразно, но иногда и в форме буквы Т. В некоторых бойранах может быть просто одна планка. Эти планки позволяют крепче удерживать инструмент в руке. На бойране играют специальной палочкой с двумя круглыми наконечниками (стик, кипин) или рукой.
Популяризация бойрана и его первое появление на сцене впервые произошло в 50-х гг. прошлого века благодаря трудам Шона О'Риада, который открыл ирландскую музыку для всего мира.
ГИТАРА
Гитара - общее название щипковых музыкальных инструментов, имеющих деревянный корпус с плоскими деками и узкой частью. Гитара вошла в традиционный состав фолк-инструментов вместе с модой на фолк, возродившейся в 60-х годах. До этого она практически не использовалась в исполнении кельтской музыки.
АККОРДЕОН
Музыкальный инструмент, в котором звук издают свободно проскакивающие язычки - тонкие пластинки, колеблющиеся под действием струи воздуха, нагнетаемой мехами. Левой рукой исполнитель управляет мехами, а также нажимает на кнопки готового набора аккордов во всех тональностях для аккомпанемента мелодии, которая исполняется правой рукой на клавиатуре фортепианного типа (диапазон - четыре октавы и более).
Диджериду (Didgeridoo) - древний ритуальный духовой музыкальный инструмент австралийских аборигенов. Этот инструмент обладает особой магической силой. Неслучайно к его игре советуют прислушаться, как к высказыванию мудрого человека. « Волшебное звучание диджериду зовет нас вспомнить земное и духовное наследство » - это одно из многих высказываний, которые так точно передают то незабываемое впечатление, которое может произвести только такой загадочный инструмент как диджериду.
На севере Австралии, где появилась диджериду, его называют «Йедаки». Самая большая диджериду достигает в длину до трех метров. Играют на ней только посвященные мужчины. Шаманы Северной Австралии лечат больных, укладывая их на землю и играя над ними на диджериду.
Диджериду создает сама природа, поэтому и звук ее максимально близок к природе. Когда вы впервые услышите живой звук диджериду, вы переживете чувство реального единения с чудом и вашу душу заполнит бесконечная гармония и блаженство. Интересен факт изготовления этого инструмента – он делается из стволов эвкалиптовых деревьев, которые изнутри выедаются термитами. Остается отыскать эти «заготовки» и вы – обладатель диджериду.
Диджериду являют собой многообразие форм, это зависит от форм ветвей и стволов. Внутренний диаметр отверстия со стороны мундштука должен быть примерно 3 см. Внутренний диаметр конца диджериду в идеале должен быть 10 см. Стенки диджериду не должны быть слишком толстыми, так как будет гаситься резонанс; кроме того, инструмент может потрескаться. Мундштук делают из пчелиного воска. Можно также изготавливать диджериду из бамбука, тростника или пластика. Многие инструменты, по старинным обычаям, украшают росписями или изображением животных. Внутреннюю поверхность диджериду нужно обрабатывать льняным маслом, но так чтобы масло не проступало наружу и не портило рисунок.
С появлением в мире диджериду связано множество легенд. Так, согласно одной из них, божественные сущности ванджина создали мир по образу, который им явился во сне. Выполнив столь нелегкое дело, они решили покинуть Землю и переселиться в духовный мир. Однако они очень любили людей и решили оставить им в дар диджериду. Это не просто подарок, а некий коридор, посредством которого ванджина могут посещать мир людей и наоборот.
Диджериду обладает живительной силой. Согласно древнему сказанию, диджериду – это флейта Радуги-Змеи Юрлунггур, основной божественной сущности. Однажды Юрлунггур в ярости проглотила сущностей воздуха сестер Вавилак и двух их сыновей. Затем она выплюнула их на берег пруда. Но все это видела флейта Диджериду. Она вдохнула жизнь в их безжизненные тела. Эта спасительная акция символизирует вечное непрерывное дыхание творчества жизни.
Ученых всегда интересовал вопрос по поводу невероятной живучести кошек. Они пришли к выводу, что умение кошки мурлыкать – это ее источник долголетия. Эти низкочастотные вибрации, воспроизводимые кошкой полезны для неё и для людей. Мурлыкание кошки можно сравнить с гудением диджериду, ведь все это - вибрации низкой частоты. На фоне низкой частоты основного звука слышны более высокие обертона. Обертона всегда выше основного тона, они образуют гармоничный ряд звуков и создают тембр диджериду (и кошки). Для игры на диджериду используется прием "кругового дыхания", за счет которого можно производить вдох, не прерывая звучания. Воздух должен выходить сквозь расслабленные вибрирующие губы. И начинается магическое пение этой могучей флейты. Все твое тело становится инструментом. Тренировка позволяет научиться управлять всеми мышцами. В формировании звука участвуют губы, язык, гортань, челюсть и голос исполнителя. Этим объясняется индивидуальность звучания диджериду в каждом отдельном случае.
Диджериду - это однотональный инструмент, но за счет индивидуальных особенностей голоса можно получать различные варианты мелодического звучания: от рокота до имитации голосов зверей и птиц. Используя язык, губы и варьируя силу выдоха, можно значительно изменять тембр звука.
Музыкальные жанры можно условно разделить на две разновидности: медитативно-трансовый жанр и ритмический action. Первый характеризуется плавностью звучания и неспешностью исполнения. Второй является практикой ритмического дыхания, так как форсированный вдох должен быть органично встроен в образ ритмического рисунка. Таким образом, манеру игры на диджериду можно выразить следующей комбинацией: "дыхание+звук+ритм". Приведем несколько примерных упражнений для игры на диджериду.
Упражнение 1
Что означает фраза « выдох через расслабленные вибрирующие губы»? Для этого надо сказать воображаемой лошадке «Тпру». При этом ваши губы будут расслаблены, будут вибрировать, и сквозь них будет выходить струя воздуха. Остается лишь поднести к губам диджериду и послать в неё воздух. Это и будет основной тон диджериду.
Упражнение 2.
Наполните щеки воздухом, надуйте их и подышите через нос. Теперь представьте, что воздух в щеках выталкивается изо рта лишь вашими мышцами щек. При этом вы можете быстро вдохнуть через нос. Это принцип непрерывного дыхания, который так важен при игре на диджериду.
При игре на диджериду важно соблюдать три основных правила: во-первых, основной тон должен быть сильным и устойчивым; во-вторых, мышцы щек должны легко выдавливать воздух, аккумулированный в щеках; в-третьих, при любом движении щек, языка, губ и т. д. основной тон диджериду не должен прерываться. Все эти условия легко выполнить при регулярных тренировках, что является основным требованием при игре на любом инструменте.
К сожалению, в России пока очень мало магазинов, где продавались бы диджериду. Однако в этнических магазинах, магазинах духовной литературы продаются иногда бамбуковые трубочки из Индонезии, Индии и других стран, которые являются аналогом диджериду. Но, тем не менее, есть на Урале мастера, которые профессионально занимаются изготовлением этого редчайшего инструмента и даже основали Уральскую Диджериду Лабораторию.
В чем же особенность уральских диджериду? Секрет заключается в правильно построенной акустике, что дает красивое звучание и широкий диапазон возможностей. Хороший природный инструмент - это редкость, поэтому так важно сделать акустически безупречный инструмент, воссоздав при этом, природную специфику звучания. Мастера должны проделать поистине ювелирную работу, чтобы добиться идеального баланса - конфигурация канала, заданная толщина стенки, параметры внутренних канавок и многое другое. Многое найдено и оптимизировано российскими мастерами опытным путем.
Поиск и исследования "конфигурации" диджериду продолжаются до сих пор, поэтому каждый уральский мастер в чем-то уникален и своеобразен. Так же как уникален каждый музыкант.
Маримба – это ударный музыкальный инструмент. Это родственник ксилофона, с которым маримбу роднит устройство. Маримба состоит из укрепленных на раме деревянных брусков, по которым ударяют колотушками. Деревянные бруски называются клавишами, которые обычно делаются из дерева hormiguillo (Platymiscium dimorphandrum). На маримбе, так же как и на ксилофоне, могут играть одновременно два исполнителя. Отличает маримбу от ксилофона качество звука. Дело в том, что звук, издаваемый каждым бруском маримбы, усиливается деревянным или металлическим резонатором либо подвешенной под ним тыквой. Есть даже мнения, что маримба является улучшенным ксилофоном – с резонаторами и более широким звуковым диапазоном. Однако не стоит забывать, что ксилофон и маримба – разные инструменты со своей историей и манерой звучания.
До сих пор вызывает споры происхождение маримбы. По этому поводу существует три версии. Согласно первой версии, маримба возникла на африканском континенте, в Анголе. По второй версии, маримба родилась в Индонезии, а по третьей версии, маримба – выходец из древней культуры майя. В подтверждение третьей версии свидетельствует археологическая находка. На церемониальной вазе из Ратинлиншуль, в настоящее время находящейся в музее Университета Пенсильвании, США, нанесено изображение музыканта с инструментом, похожим на маримбу. Но все-таки, какая из версий оригинальна и правдива, остается загадкой.
С маримбой связано множество легенд. По одной из них, бытующей в мифе жителей Южной Африки, жила некогда богиня по имени Маримба. Однажды они создала инструмент, вешая тыквы ниже деревянных брусков. Этот факт сейчас упоминается как источник названия инструмента.
Маримба стала родным инструментом не только для жителей Африки, но и для жителей Гватемалы, Мексики и некоторых других стран Латинской Америки. Со временем тыквенные резонаторы сменили деревянные, диатонический строй уступил место хроматическому.
Именно латиноамериканская маримба была взята за основу Джоном К. Диганом для дальнейшей реконструкции. Джон К. Диган – известный акустик и строитель ударных инструментов – принципиально изменил древнюю маримбу. Он заменил деревянные резонаторы на металлические и установил эталон её настройки. Он также доказал, что розовое дерево является лучшим акустическим проводником для тоновых пластин маримбы. Диган не ограничился теоретическим изучением инструмента, он желал его массового распространения, поэтому его компания «J.C. Deagan, Inc.» наладила промышленный массовый выпуск маримб.
Маримба Дигана является эталоном качества и является музейной ценностью. Инструмент не переставал совершенствоваться. Он улучшился как внешне, так и внутренне. Расширились его выразительные возможности. Маримба поднялась из сферы массовой музыкальной культуры в область академического классического искусства и завоевала весь мир. В пятидесятых годах двадцатого века маримба распространилась в Японии и сразу же покорила публику. Японские композиторы писали произведения для маримбы, была также основана японская школа маримбы. Кейко Абэ - известная маримбистка - завоевала всемирную популярность, благодаря своему исполнительскому искусству.
Тембр маримбы неповторим – он многогранен и сочетает в себе мягкие и богатые звуки, позволяющие добиваться выразительного звучания.
Техника игры на маримбе – это использование нескольких палочек одновременно. Можно использовать от двух до шести палочек. На инструменте можно исполнять различные типы композиций - мелодии, гармонии, виртуозные пассажи. Для игры на маримбе выпускается множество видов палочек с наконечниками из резины, дерева или пластика. Наконечники обмотаны шерстяными или хлопковыми нитями. Подбор палочек позволяет музыканту получить целый спектр различных тембров, от резкого и щелкающего до мягкого и нежного.
Диапазон инструмента — четыре октавы. В последние годы появились инструменты с большим диапазоном – до шести октав. Инструменты этого класса довольно редкие и предназначены для сольной игры. Часто они изготавливаются индивидуально.
В конце двадцатого века маримба прочно укрепилась в музыкальной жизни стран Западной Европы. В Америке маримба используется в популярной музыке.
Сейчас маримба известна как сольный инструмент. Она с успехом используется в разных музыкальных жанрах, от классической музыки до авангардной. Некоторые композиторы используют маримбу в произведениях для симфонического оркестра, что придает музыкальной картине особый колорит.
Скрипка, пожалуй, один из самых распространенных музыкальных инструментов. Она отличается довольно компактными размерами, что позволяет музыканту играть там, где душа пожелает. Скрипка – это не только инструмент крупных оркестров, это также сольный инструмент. Зачастую некоторые рестораны приглашают музыканта-скрипача, который играет различные мелодии, передвигаясь между столиками с посетителями. Кроме того, скрипка также известна, как любимых инструмент Шерлока Холмса. Он играл на ней в минуты раздумий над тяжкими преступлениями.
Во всех приведенных примерах речь идет о скрипке, как о смычковом струнном музыкальном инструменте высокого регистра. Традиционно скрипка имеет четыре струны и мягкий и густой тембр. Благодаря скрипке мир узнал таких великих музыкантов, как Джованни Баттиста Виотти (1753—1824), Никколо Паганини (1782—1840), Давид Ойстрах (1908—1974) и многие другие.
Однако скрипка апачей – это не совсем скрипка или, точнее говоря, не та классическая скрипка, к которой мы привыкли. В названии инструмента фигурирует слово «апачи». Что оно означает? Это индейское племя, которое перекочевало в юго-западную часть Североамериканского континента из Аляски, а затем – в Рио-Гранде. Апачи были воинственным кочевым поселением, так и не осевшим на какой-то определенной территории. Основным средством выживания целого племени была охота на буйволов. Поскольку именно это животное обеспечивало апачей всем необходимым для жизни, оно считалось священным. Война с испанцами в тридцатые годы восемнадцатого века почти полностью уничтожила и без того малочисленное племя. Вражда прекратилась лишь в 1743 году, когда предводитель испанских переселенцев был вынужден согласиться на подписание акта о передаче земель Техаса во владения апачей.
Несколькими годами позже на официальной церемонии, вождь племени публично опустил в глубокую яму свой боевой топор в знак примирения. Кстати, именно с этого момента во все европейские языки прочно вошло выражения «зарыть топор войны». Со временем, апачи наладили прочные связи с переселенцами, что обеспечивало и тем и другим надежную защиту и процветание.
В настоящее время племя апачей не столь многочисленно, как раньше. Насчитывают около двух тысяч потомков апачей, проживающих, в основном, в Нью-Мексико.
Музыкальная культура древних апачей являлась своего рода отражением среды обитания и была теснейшим образом связана с условиями существования индейцев. Музыка соответствовала их жизненному циклу - от колыбельной до отпевания, сопровождала религиозные ритуалы и производственную деятельность.
Одной из таких нитей, связывающих человека и музыку, была скрипка, придуманная апачами. Для этого необходимо найти определенное дерево, которое имеет необычное название – Поющее – и которое может быть также названо, как столетник или агава. Поющее Дерево можно найти в пустыне. Оно растет на склонах холмов, его бело-желтые цветы покачиваются на ветру над низким кустарником.
Благодаря одному музыканту скрипка апачей получила широкое распространение по всему миру. Чесли Госейюн Вилсон - человек, вселивший музыку в Поющие Деревья. Вилсон – Апач по происхождению, родившийся в Аризоне, в резервации Сан-Карлос. Он изготовляет однострунные скрипки из ствола агавы, которые Апачи называют tsli'edo'a'tl, что и переводится, как "Поющее Дерево". Другие их называют просто: апачская скрипка. Апачи делают такие необычные скрипки как минимум уже сто лет.
К тому времени, как Вилсон занялся этим искусством, оно было уже почти забыто. Раньше в каждой апачской семье была такая скрипка. Их музыкой развлекались на праздниках, например, отмечая дни рождения или свадьбы.
Как изготовить скрипку апачей? Надо выбрать нужное дерево на пустынных холмах резервации Сан-Карлос в центральной Аризоне. Поле того, как агава выбрасывает свой высокий твердый стебель, она зацветает и умирает. Нужны стебли, которые умерли, но еще не высохли. Из стебля будет сделано тело скрипки.
Мастер вырезает из ствола кусок длиной около двадцати дюймов, затем перочинным ножом вырезает мягкую сердцевину, пока внутри ствол не станет совершенно пустым и гладким. После этого он просверливает в стволе дырочки. Тело скрипки лакируется и снаружи и изнутри, затем натягивается единственная струна, иногда сделанная из конского волоса, иногда из обычной скрипичной струны. Один конец струны крепится к настроечному колку, воткнутому в тело скрипки сбоку, другой - к крошечному штифту наверху инструмента. И, наконец, отверстия с обеих сторон закрываются кусками фанеры, и инструмент расписывается - обычно это змеи, геометрические узоры и традиционные апачские мотивы.
На скрипке играют смычком, который делается из гибкого дерева - ивы или осины, и конского волоса. Звук ее мягкий и вкрадчивый, такой инструмент хорошо слушать, сидя у камина в маленькой комнатушке.
струнный инструмент, получивший распространение в 16 - 17 вв. преимущественно среди скоморохов. Современная домра была реконструирована в 1896 году В.В. Андреевым на основе вятской балалайки с полусферическим корпусом, которую Андреев считал прямой наследницей древнерусской домры. Корпус делают из гнутых клепок, дека плоская, с круглым резонаторным отверстием в середине. На грифе врезаны металлические лады, дающие хроматический звукоряд. Струны стальные, крепятся к пуговке в нижней части корпуса и к механическим колкам вверху. На верхней деке под струнами находится подставка. Звук извлекается с помощью медиатора. Настройка струн квартовая. В 1896 - 1900 гг. на основе этой домры, Андреев в содружестве с Ф.С. Пасербским и С.И. Налимовым создал целое семейство домр (квартового строя) - от пикколо до контрабаса. При объединении их с семейством балалаек окончательно сформировался оркестр русских народных инструментов. Домры - преимущественно ансамблевые или оркестровые инструменты. В оркестре они - основная мелодическая группа, тогда как балалайки (кроме балалаек прим) являются аккомпанирующими инструментами. Домрам часто поручается соло, а для домр малых (как и для балалаек прим) пишут сольные концертные произведения. Используются следующие разновидности домр: пикколо, малая, альтовая, басовая.
БАЛАЛАЙКА
сравнительно молодой музыкальный инструмент. Первое упоминание о ней в письменных памятниках относится к 1715 году (Голиков И.И. Дополнения к деяниям Петра Великого, т. 10. М., 1792, с. 242). Возможно, она возникла как некое ответвление древнерусской домры и вскоре, получив необычайно широкое распространение, вытеснила ряд других инструментов, в том числе и домру. O популярности балалайки в деревенском и городском музыкальном быту красноречиво говорят многочисленные лубки и различные народные картинки. Применение балалайки в музыкальной жизни народа было весьма разнообразным: на ней исполняли песни и танцы, сопровождали сольное и хоровое пение, ее вводили в состав различных инструментальных ансамблей. В 80-х гг. XIX в. В.В. Андреевым совместно с инструментальными мастерами В.В. Ивановым, а затем Ф.С. Пасербским и С.И. Налимовым балалайка народного образца была усовершенствована. Впоследствии на ее основе создано семейство оркестровых инструментов хроматического строя - пикколо, сопрано (позже упразднены), прима, секунда, альт, бас и контрабас. Первое выступление "кружка балалаечников" состоялось в Петербурге в 1888 г., после чего усовершенствованная балалайка и балалаечные оркестры, а с 1896 г. балалаечно-домровые (получившие наименование великорусских) с необычайной быстротой стали распространяться по всей России. В оркестре балалайка выполняет как мелодическую, так и аккомпанирующею функцию. Используются следующие разновидности балалаек: прима, секунда, альт, бас, контрабас.
БАЯН
один из наиболее совершенных из существующих в настоящее время хроматических гармоник. Баян отличается большой полнотой и силой звука, на нем возможно исполнение сложных музыкальных произведений. Баян впервые был сконструирован в начале настоящего столетия П.Е. Стерлиговым и другими русскими инструментальными мастерами. Известный гармонист-исполнитель Я.Ф. Орланский-Титаренко, также принимавший участие в создании инструмента, предложил назвать его именем легендарного древнерусского поэта, певца и музыканта Бояна (Баяна). В последние годы большое распространение получил "выборный" баян. Особенность его заключается в том, что в клавиатуре левой руки нет "готовых" аккордов. Это заметно расширяет музыкально-исполнительские возможности инструмента, но в то же время очень усложняет технику игры. Гармоника уже давно стала в России (и не только в России) самым распространенным, подлинно массовым музыкальным инструментом, вытеснившим многие другие инструменты. В народном музыкальном быту она используется как сольный и аккомпанирующий инструмент. При сопровождении песен, особенно частушек, партия гармоники часто значительно более развита, чем мелодия голоса. Большую роль, особенно в наши дни, гармоника играет и в профессиональной практике. В оркестре русских народных инструментов используются помимо баянов несколько разновидностей гармоник: гармоника сопрано, альт, баритон и бас.
РОЖОК
изготовляют из березы, клена или можжевельника. По утверждению некоторых рожечников, лучшими звуковыми качествами обладают можжевеловые рожки. В прошлом их выделывали тем же способом, что и пастушеские рога, то есть из двух половин, скрепленных берестой; в настоящее время их вытачивают на токарном станке. Звукоряд рожка диатонический, в пределах квинты и сексты. Звук рожка довольно сильный, но мягкий. На рожке исполняют песни, танцы и сопровождают хоровое пение. На основе типового инструмента были созданы ансамблевые разновидности рожков: малые дискантовые рожки, получившие образное название "визгунки", и крупные, звучащие октавой ниже - басовые. Ансамблевые рожки имеют 6 игровых отверстий, из которых верхнее располагается на тыльной стороне. Звукоряд рожков диатонический, в пределах септимы, но опытные исполнители путем передувания расширяют его до полутора октав. Во второй половине XIX - начале ХХ в. ансамблевая игра на рожках получила широкое распространение, особенно в бывших Владимирской и Тверской губерниях (ныне Владимирская и Тверская области). В некоторых ансамблях, или, как их называли "хорах", исполнительское искусство рожечников достигало высокого художественного мастерства. Лучшими считались ансамбли, руководимые Н. Кондратьевым и Н. Корзиновым. Хор рожечников Н. Кондратьева совершил многочисленные поездки по различным городам России и с большим успехом выступал на Международной выставке в Париже (1884). В репертуар ансамбля рожечников входили народные песни и танцы. Основой обработки песен являлся метод вариационного полифонического развития темы, воспроизводимой исполнителями поочередно в импровизационной манере. Ансамблевая и сольная игра на рожках частично практикуется и в настоящее время, особенно во Владимирской и отчасти в Костромской областях. Рожки иногда вводятся также в состав наиболее крупных оркестров русских народных инструментов.
ЖАЛЕЙКА
небольшая трубочка из ивы или бузины, длиной 100 - 150 мм, в верхний конец которой вставлен пищик с одинарным язычком из камыша или гусиного пера, а на нижний надет раструб из коровьего рога или из бересты. Язычок иногда надрезают на самой трубочке. В стволе имеется от 3 до 7 игровых отверстий, дающих диатонический звукоряд; диапазон зависит от количества отверстий. Существуют и парные жалейки. Они имеют 2 самостоятельные трубки с пищиками, но общий раструб. Число игровых отверстий у парных жалеек различно, наиболее часто встречаются 2 и 5, 3 и 5, 3 и 6 и в виде исключения - 5 и 5. На парных жалейках, как и на свирели, можно исполнять и одноголосные, и двухголосные мелодии. Одинарные жалейки распространены главным образом в северных областях России, а парные - в южных. (Появлению парных жалеек на юге, возможно, способствовала свирель.) В Тверской области жалейку называют брёлкой (может быть, от местного наименования ивы - бредина, из которой она изготовляется). Жалейка - преимущественно пастушеский инструмент. На ней играют соло, дуэтом (две жалейки), а иногда совместно с гуслями или гармоникой, исполняя главным образом народные песни, инструментальные наигрыши и танцы. В 1900 г. В.В. Андреев ввел в состав своего оркестра жалейку усовершенствованного образца, названную им брёлкой. Своим внешним видом эта жалейка похожа на народную, она имеет двойной язычок гобойного типа. Кроме обычных игровых отверстий, у нее есть дополнительные, с клапанами, которые позволяют получить хроматический звукоряд.
парная продольная свистковая флейта с двумя не скрепленными между собой стволами из ивы, клена, черемухи. Головки стволов имеют клювовидную форму; в нижних частях стволов вырезано или выжжено по 3 игровых отверстия, из которых два - на лицевой стороне и одно - на тыльной. Во время игры "клювы" берут в рот, а стволы держат несколько наклонно вниз, раздвигая под острым углом друг к другу; пальцы обеих рук накладывают на отверстия соответствующих стволов.
По звукоряду свирель представляет собой как бы разделенную на две части сопель: ее стволы настроены между собой в кварту и в целом дают диатонический звукоряд, равный звукоряду сопели. В отличие от последней, на свирели возможно двухголосное исполнение. Звучит она нежно, негромко и даже при передувании менее резко, чем сопель. Инструмент наиболее распространен в Смоленской, Орловской и Могилевской областях. В начале ХХ в. мастерские села Малашкино (Смоленская губерния), а затем и другие кустари стали выделывать высококачественные свирели, украшенные орнаментом. Название "свирель" за парной флейтой закрепил Н.И. Привалов, потому что так назывался этот инструмент на Смоленщине - основном районе его бытования.
На свирели играют преимущественно соло (в прошлом на Смоленщине - в ансамбле с крыловидными гуслями) и исполняют народные песни. Слово "свирель" более древнее, чем "сопель", поскольку оно встречается в общеславянском языке и, следовательно, существовало еще в эпоху, предшествовавшую разделению этого языка на восточную, западную и южную ветви. Однако относилось ли такое название к инструменту определенного вида, в частности к парной флейте или вообще к духовым инструментам - флейтовым и язычковым, - сказать трудно: в древней Руси "свирцом" называли исполнителя на любом духовом инструменте, кроме рога и трубы - трубачея. Первое упоминание свирели в русской литературе относится к XII в.
Какова древнерусская свирель, была ли она парной или одинарной флейтой, сказать трудно, сведений об этом не сохранилось. В первые годы нашего столетия В.В. Андреев ввел в свой оркестр свирели, снабженные клапанной механикой. Инструменты такой конструкции изредка встречаются и в современных оркестрах народных инструментов.
ГУСЛИ
прямоугольные (столообразные) наиболее сложный по конструкции тип русских гуслей в виде продолговатого плоского ящика с крышкой. Струны у старинных инструментов латунные, а у более современных - стальные; басовые, кроме того, обвиты канителью.
Количество струн колеблется от 55 до 66. Первоначально звукоряд их был диатоническим, позже стали делать гусли хроматические. У хроматических гуслей струны, соответствующие черным клавишам фортепиано, опущены несколько ниже.
Прямоугольные гусли бывают с ножками и без ножек; гусли без ножек во время игры кладут на стол. Крышка инструмента с внутренней стороны часто украшается гравюрами, олеографиями, лубочными картинками, зеркалами и т. д. В ХVIII - начале XIX в. благодаря своим отличным звуковым качествам прямоугольные гусли успешно конкурировали в России с иноземными струнными клавишными инструментами - клавикордом, спинетом и даже клавесином, а затем и фортепиано.
Прямоугольные гусли появились в России, по-видимому, в начале XVII века. Сложность конструкции инструмента, трудность его изготовления и в особенности техника игры, требующая профессиональной выучки, говорят о том, что эти гусли могли быть созданы и первоначально найти применение в узком кругу профессиональных музыкантов - скоморохов. В дальнейшем такие гусли получили и более широкое распространение, однако массовым народным инструментом никогда не были. Они могли быть при царском дворе, в дворянских усадьбах, у горожан и лиц духовного звания, которым игра на гуслях не возбранялась. С прямоугольными гуслями связано и одно очень важное культурное событие. В 1776 - 1795 гг. камер-гуслист царского двора В.Ф. Трутовский впервые в России опубликовал сборник в четырех частях - "Собрание русских простых песен с нотами", где басовое сопровождение одноголосных напевов, судя по всему, было написано в расчете на прямоугольные гусли.
На прямоугольных гуслях исполнялись народные песни, танцы, романсы, отрывки из опер, различные инструментальные произведения и т.д. В начале XIX в. для них были изданы школы-самоучители М. Померанцева. В 1914 г. Н.П. Фомин сконструировал так называемые "клавишные" гусли, отличающиеся оригинальной и вместе с тем простой и удобной конструкцией. Они снабжены однооктавной клавиатурой фортепианного образца. При нажатии на клавиш одноименные струны во всех октавах освобождаются от демпферов и становятся готовыми к звучанию. Одной рукой набирают на клавиатуре любой аккорд, а другой проводят по струнам плектром из твердой кожи. Особенно эффектными получаются на этих гуслях "всплески" арпеджированных аккордов. Клавишные гусли, наряду с обычными, были введены в оркестр Андреева и находят применение до настоящего времени в оркестрах большого состава.
Играют на гуслях сидя, повернув к себе инструмент стороной с басовыми струнами (положение, противоположное тому, какое бывает при игре на шлемовидных гуслях. Звукоизвлечение производится путем защипывания струн пальцами обеих рук; звук гуслей яркий, довольно сильный и долго не затухающий.
УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
БУБЕН
музыкальный ударный инструмент в виде неширокой круглой деревянной обечайки, с натянутой на одной стороне кожаной мембраной. Иногда внутри обечайки подвешиваются бубенчики и колокольцы, а в прорези стенок вставляются бряцающие металлические пластинки. Распространен бубен у многих народов: узбекская дойра; армянский, азербайджанский, таджикский дэф; шаманские бубны с длинной ручкой у народов Сибири и Дальнего Востока. О шаманских бубнах можно прочитать на разных сайтах, хотелось бы рассказать о истории бубна на Руси. Бубен известен восточным славянам с древнейших времён. Особенно широко они применялись в ратном деле и у скоморохов. В прежние времена бубном называли ударные инструменты, на которых натянута кожа. Возможно, когда в русских летописях встречается название "бубен", под этим следует разуметь инструмент, который позже стал называться "барабаном". Одно из описаний бубна вместе с трубами в качестве военно-музыкального инструмента относится к X в. (960-е годы) и включено в описание похода князя Святослава Игоревича. Число бубнов в войске определяло его численность. Бубен служил знаком командного достоинства, исполнители на бубнах находились в непосредственном распоряжении начальников отрядов. Бубен ратный представлял собой котёл с натянутой кожаной мембраной. В древности удар по мембране производился с помощью вощаги - колотушки в виде кнута с плетенным шаром на конце. Ратные бубны применялись как пехотой, так и конницей. Известны разновидности ратных бубнов: тулумбас и набат. Предполагают, что русские набаты были огромных размеров, для их перевозки использовалось 4 лошади. А звук, точнее грохот, извлекали одновременно 8 набатчиков. При помощи условных сигналов бубнов в русской рати осуществлялась звуковая связь, подавались разные команды. Во время боя ударные инструменты объединялись с трубами и сурнами и создавали устрашающий врага грохот. В более поздние века бубном широко пользовались скоморохи и медвежьи повадыри. Скомороший бубен похож на современный инструмент. Он представляет собой неширокую деревянную обечайку круглой формы с натянутой на одну сторону кожаной мембраной и подвешенными с внутренней стороны бубенчиками и колокольчиками. Ударяли по мембране пальцами, кистью. Бубнисты в то время играли в ансамбле с балалаечниками или гармонистами, а иногда просто аккомпанировали пению лихих песен. Кроме того, бубен использовался как сольный инструмент. Вот как описывали игру на этом инструменте: "Народные виртуозы при игре на бубне выделывают разные фокусы, подбрасывая его и схватывая на лету, бьют бубном то по своим коленкам, то ударяя по голове, подбородку, даже по носу, барабанят по бубну кистью рук, локтём, пальцами, делают тремоло и вой, проводя по коже большим пальцем правой руки и прочее". Бубен был распространён на Украине и в Белоруссии, применяясь чаще в танцевальной музыке. Инструмент этот изредка встречается в руках народных музыкантов и в наши дни, но основное своё применение он нашёл в оркестрах русских народных инструментов.
Ну и еще один русский народный инструмент... Не мог о нем не вспомнить в силу специфики своей работы....
Дата: Воскресенье, 06.03.2011, 00:42 | Сообщение # 10
Продвинутый
Группа: Администраторы
Сообщений: 463
Статус:
Hang Drum
Немногие из людей, увидевшие этот предмет, со стороны отнесут его к музыкальным инструментам. По внешнему виду он напоминает скорее чечевицеобразное НЛО инопланетного вида или два блюдца перевёрнутых и положенных друг на друга. Между тем, Hang Drum – так называется этот удивительный, самый юный в мире инструмент, после длительного изучения свойств стального барабана, гонга, гамелана, колокольчиков и множества других резонирующих ударных инструментов всего мира, был разработан Феликсом Ронером и Сабиной Шерер, из компании "PANart" в двухтысячном году.
Hang Drum представляет собой перкуссионный инструмент, состоящий из двух металлических полушарий соединённых между собой - Ding Side и Gu Side. Во время исполнения Hang Drum лежит на коленях у музыканта, играющего на нём пальцами рук, ребром ладони или всей ее поверхностью. На стороне Ding Side располагается тонический круг с восемью нотами, позволяющий исполнителю спускаться или подниматься по нотам левой и правой руками. Пример такого тонального круга будет выглядеть так: центральная нота - рe малой октавы , ноты круга - ля малой октавы, до, ре, ми, фа, соль, ля первой октавы. Нижняя часть - Gu side имеет Gu-отверстие для звукового резонанса, позволяющее исполнителю создавать басовые оттенки мелодии. В настоящее время компания "PANart" приостановила выпуск Hang Drum-ов, мотивируя это продолжением исследования и совершенствования свойств данного инструмента. Так что приобрести его теперь можно только на всемирно известных аукционах и то по довольно завышенной цене. Не менее интересен может быть и Российский аналог Hang Drum-а – DreamBall.
DreamBall изготавливается из подобранного проверочным путём металлического сплава лёгкого по весу. Специальное напыление, а также немного изменённый дизайн, ставший ещё более фантастическим придаёт инструменту великолепное, неповторимое звучание. Тональное зонирование DreamBall-а имеет восемь зон с тремя видами распределения:
Такое четко выполненное тональное зонирование позволяет легко сыграть любимую мелодию даже не просвещённому в этом деле человеку. На страницах всемирной паутины можно найти информацию, что российскими умельцами выпущена новая модель DreamBall-а. DreamBall Relax, так называется новая версия инструмента, имеет некоторые конструктивные особенности, позволяющие сделать звук инструмента ещё более выразительным, чистым и громким. Миниатюрный микрофон, располагающийся внутри DreamBall Relax, идеально подходит для озвучения инструмента на сцене и позволяет украсить звук инструмента различными эффектами.
Hang Drum также является прародителем другого аналогичного инструмента – это Eclipse Drum. Этот ещё один из видов перкуссионных инструментов нового времени представляет собой высококачественный барабан, материалом для изготовления которого служит карбоновый металл. Благодаря расположенной в центре барабана дополнительной зоне, используемой музыкантом методом трения для извлечения длинного протяжного звука, инструмент может создавать фоновое звучание, прекрасно гармонирующее с основными звуками ударных зон. В заключение хочется отметить, что, хотя Hang Drum, DreamBall и Eclipse Drum недавно появившиеся, практически ещё не имеющие своей истории инструменты, они уже завоевали сердца многих поклонников всего мира. Эти неповторимые, органично сочетающиеся с другими инструментами звуки привлекают всё больше и больше людей в ряды любителей Hang Drum-а.
